MODERNISMO EN EUROPA

UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL

FACULTAD DE ARQUITECTURA, ARTES Y DISEÑO

CARRERA DE ARQUITECTURA

MODERNISMO EN EUROPA

CHANCUSI, O., ERICK, S.

2015

EL MODERNISMO.

El siglo XX comienza en el momento de máximo esplendor de la estética modernista. Iniciado plenamente por Rubén Darío en 1888 con la publicación de Azul, el Modernismo supone una integración de diversas tendencias que se habían desarrollado a lo largo de la segunda mitad del siglo XIX, en especial del Simbolismo y del Parnasianismo.

El Modernismo fue, entre otras cosas, una resurrección de la angustia que caracterizó a la literatura europea romántica, que por un momento parecía haber desaparecido con la fe del XIX en el racionalismo cientifista. Se sueña, en la nueva poesía, con los momentos felices pasados, donde aún existían seguridades: la niñez lejana, los paraísos perdidos, los jardines cerrados y ordenados; añoranzas de un mundo que se fue.

El Modernismo acoge influencias de diversos movimientos. En realidad "el Modernismo no rechazó nada como no fuera la vulgaridad, el prosaísmo, la rutina y el conformismo estético y adocenado". Se escribe una poesía cromática, brillante, sensual. En España se toma una segunda línea, más sobria y sencilla, que arraigó en los hombres preocupados por el la decadencia nacional: es la vertiente conocida como "Generación del 98", que no deja de ser una línea del Modernismo.

El Modernismo fue conscientemente cosmopolita. Sus cultivadores, sorprendidos, comprendieron que estaban participando en una evolución de la sensibilidad que no se limitaba a España, ni siquiera a Europa. El centro era, indiscutiblemente, París. Los poetas españoles se inspiraron directamente en Francia (Verlaine), salvo en los aspectos formales, en los que Darío fue el maestro.

Significación del Modernismo

"Modernismo" es la palabra tomada de los simbolistas y elegida por Darío para designar la fructífera tendencia.

Se ha dicho que el Modernismo representa la inquietud de una época: el final del siglo XIX, el cambio histórico que se refleja en el arte, la religión. Pero el Modernismo literario, más allá de ese contexto cierto, aportará un cambio definitivo en el manejo expresivo del idioma.

Se ha señalado que el Modernismo concreta el sueño de los escritores románticos: diseñar un lenguaje típicamente latinoamericano, reconocido por los mismos españoles.

PINTURA

CARACTERISTICAS

Ø  Se responde al deseo de superar el academicismo e Impresionismo.

Ø  Abandono de lo cotidiano en pro de temas de contenido simbólico-conceptual.

Ø  Insistencia en la línea y en el dibujo muy expresivo.

Ø  Es una pintura de carácter lineal y bidimensional.

Ø  Formas orgánicas (ramas, hojas, flores, etc.) Que rellenan todo el espacio.

Ø  Formatos alargados y apaisados.

Ø  Se recrea en el tema de la mujer, la perversión y el erotismo.

Ø  Excesivo decorativismo, que puede adelantar la abstracción.

Ø  La línea independiente que avanza hacia el Expresionismo posterior.

Ø  Adquieren gran importancia las ilustraciones gráficas, el cartel y la litografía.

Algunos de los pintores del modernismo son:

Ø  Gustav Klimt fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa.

Ø  Jan Toorop fue un pintor holandés entre el simbolismo y el modernismo.

Ø  Henri Jacques Edouard fue un pintor belga, identificado con distintos movimientos artísticos de finales del siglo XIX (impresionismo, o modernismo, fauvismo).

ESCULTURA

Tuvo como tema central la figura femenina en distintas actitudes. Se utilizaron una gran variedad de materiales: el mármol para los monumentos y el bronce, el marfil, los metales preciosos, la cerámica y el vidrio para las obras de pequeño tamaño.

Algunos de los escultores del modernismo son:

Ø  Clare Jeanne Roberte Colinet

Ø  Joseph Lorenzl

Ø  Demetre Chiparus

Ø  Ferdinand Preiss

ARQUITECTURA

El modernismo es un arte burgués, muy caro, que intenta integrar en la arquitectura todo el arte y todas las artes. Es una corriente esencialmente decorativa, aunque posee soluciones arquitectónicas originales. Se desarrolla entre los siglos XIX y XX.

La arquitectura modernista nace en Bélgica con la obra de Henry van de Velde y Víctor Horta.

CARACTERÍSTICAS

Ø  Elementos estructurales y ornamentales inspirados en elementos vegetales de tipo orgánico.

Ø  Predominio de la línea curva, disimetrías, estilización.

Ø  Empleo de nuevos materiales constructivos: hierro (recuperación de trabajos de forja artística); y materiales que ya estaban en desuso: ladrillo, azulejería.

Ø  Libertad e imaginación. Sacar al arte de las normas convencionales.

Ø  Arquitectura simbólica, sugerente, embellecida, que despierta los sentidos.

Son considerados los fundadores de la arquitectura modernista:

Ø  Henry van de Velde

Ø  Víctor Horta

Ø  Paul Hankar

SIMBOLISMO

UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL

FACULTAD DE ARQUITECTURA, ARTES Y DISEÑO

CARRERA DE ARQUITECTURA

SIMBOLISMO

CHANCUSI, O., ERICK, S.

2015

EL SIMBOLISMO

Es esencialmente pictórico, y es que una amplia corriente de pintura simbolista recorrió el último cuarto de siglo XIX, paralelamente a las experiencias lumínicas al impresionismo y sus secuelas. El simbolismo reprende el sentido profundo de la pintura.

Sin embargo, hay que tener en cuenta que el término simbolismo es complejo, por lo que de este término se han dado muchas interpretaciones. Así, mientras que para unos, el simbolismo, es un movimiento que proviene del romanticismo; para otros, tal simbolismo no existió, y, finalmente, algunos críticos dicen que es una manifestación típica del postimpresionismo; argumentan tan afirmación en el hecho de que ambos movimientos rechazan la representación directa y literal a favor de la evocación y la sugestión, y formaban parte de una tendencia general antimaterialista y antirracionalista.

La escultura simbolista

El Simbolismo posee una estética académica, y se presta más a las realizaciones escultóricas de vanguardia. Junto con Rodin destacan Aristide Maillol (1861–1944), que es el gran maestro de la escultura simbolista. La noche, Isla de Francia, Flores en la pradera, Venus, Flora, El río. También destacan Adolf von Hildebrand, Estatua ecuestre del príncipe regente, Medardo Rosso, Niño enfermo, Cabeza de niño, Emile-Antoine Bourdelle, Hércules arquero.

La Pintura simbolista

En el ámbito de la pintura, el simbolismo encuentra exponentes como Gustave Moreau (francés que nace en 1826 y muere en 1898). Sus pinturas más destacadas son "Júpiter y Semele", "Europa y el toro" y "los unicornios". También está el artista Odilon Redon, otro francés que nace en 1840 y fallece en 1915. Como obras importantes, hay que destacar "El carro de Apolo", "Druida" y "viejo alado con larga barba". Hay que destacar también a "Los Nabis", un grupo de tres artistas que son Félix Valloton (suizo, 1865-1925) (obra: "La pelota"), Pierre Bonnard (francés, 1867-1947) (obra: "Mujeres en el jardín") y Edouard Vuillard (francés 1868-1940) (obras: "Jardines públicos" y "Los dos escolares") y finalmente con Néstor Martín-Fernández de la Torre desaparece el simbolismo tras su muerte, ya que él lo representaba siempre en todas sus pinturas.

Pictóricamente las características más relevantes son las siguientes:

Ø  Color: a veces se utilizaban colores fuertes para resaltar el sentido onírico de lo sobrenatural. Del mismo modo el uso de colores pasteles, por parte de algunos artistas, junto con la difuminación del color, perseguía el mismo objetivo.

Ø  Temática: Pervive un interés por lo subjetivo, lo irracional, al igual que en el romanticismo. No se quedan en la mera apariencia física del objeto sino que a través de él se llega a lo sobrenatural, lo cual va unido a un especial interés por la religión. Los pintores y poetas ya no pretenden plasmar el mundo exterior sino el de sus sueños y fantasías por medio de la alusión del símbolo. La pintura se propone como medio de expresión del estado de ánimo, de las emociones y de las ideas del individuo, a través del símbolo o de la idea.

Ø  A la pintura se la define con conceptos como ideista (de ideas), simbolista, sintética, subjetiva y decorativa.

Ø  Técnicas: Lo que une a los artistas es el deseo de crear una pintura no supeditada a la realidad, en oposición al realismo, y en donde cada símbolo tiene una concreción propia en la aportación subjetiva del espectador y del pintor. No hay una lectura única, sino que cada obra puede remitir cosas distintas a cada individuo. Su originalidad, pues, no estriba en la técnica, sino en el contenido.

ARTISTAS:

Gustav Klimt (Viena, 1862 - id., 1918) Pintor austriaco. Fue la figura más representativa del modernismo pictórico (Jugendstil) en el mundo de habla alemana. Se formó en la escuela de artes aplicadas de su ciudad natal y triunfó como autor de grandes pinturas decorativas en un estilo de corte academicista, del que constituyen un buen exponente las pinturas de la escalera del Museo de Historia del Arte de Viena.

En 1897, su interés por el arte de vanguardia lo llevó a abandonar la Asociación de Artistas Vieneses y a fundar, con algunos amigos, la famosa Secesión Vienesa, de la que fue el primer presidente y máximo exponente. Las pinturas murales alegóricas para la Universidad de Viena, en las que se advierte ya un evidente cambio de estilo, suscitaron duras críticas, por lo que el artista abandonó el encargo antes de finalizarlo (las que había concluido las destruyó un incendio en 1945).

El Beso

Odilon Redon (Burdeos, 1840 - París, 1916) Pintor, grabador y dibujante francés. Vivió en su ciudad natal hasta 1870, año en que se trasladó a París, donde en 1884 se convirtió en un personaje público a raíz de la aparición de una novela en la que el protagonista coleccionaba dibujos suyos.

Hasta entonces se había dedicado en exclusiva a la ilustración al carboncillo, plasmando imágenes del todo alejadas de lo común, pobladas de seres fantásticos. Los dibujos que realizó durante esa etapa, como Orfeo sobre las aguas (Kröller-Müller Museum, Otterlo) o La araña (Museo del Louvre, París) se caracterizan por sus contrastes de luces y sombras. En la serie Los negros (dibujos al carbón sobre papel teñido y litografías) exploraron el juego misterioso de las sombras y el ritmo de las líneas mentalmente concebidas.

El Cíclope

Gustave Moreau (París, 1826 - id., 1898) Pintor francés. En 1857 realizó un viaje a Italia que le permitió conocer la obra de clásicos como Miguel Ángel o Mantegna, y obtuvo el reconocimiento de la crítica en el Salón de 1864, con Edipo y la Esfinge. Su período de madurez se inició a partir de 1870. Su obra muestra una clara preferencia por los temas históricos, bíblicos y mitológicos, siempre desarrollados de forma inquietante y evocadora, a través de la recreación de atmósferas exóticas, a menudo orientales, y del dramatismo de las escenas. Destaca también su particular sentido del color, especialmente llamativo por sus brillos dorados. De entre sus pinturas cabe destacar, entre otras, La aparición (1876), Quimera (1884) y Júpiter y Semele (1896). Perteneciente a la corriente simbolista, Moreau inspiró a los futuros artistas surrealistas, sobre todo a André Breton, Max Ernst y Salvador Dalí. Su obra se exhibe en su mansión parisina, que en 1902 pasó a ser el Museo Gustave Moreau.

Edipo y la Esfinge

Franz von Stuck (Tettenweis, 1863 - Múnich, 1928) Pintor alemán, uno de los miembros fundamentales de la Sezession de Múnich. Procedente de una familia sin tradición artística -su padre era molinero en Baviera-, Stuck comenzó sus estudios artísticos en la Academia de Múnich. Finalizada su etapa de formación, presentó por primera vez su obra en la Exposición Internacional de Múnich que se celebró en 1889.

La obra expuesta que resultó galardonada en el certamen fue Guardián del Paraíso; su realización muestra, por una parte, su tendencia al tratamiento realista de la figura humana y, a la vez, su composición se completa con numerosas referencias simbólicas. Esta característica lo relaciona con sus contemporáneos Arnold Böklin (1827-1901) y Max Klinger (1847-1920), pintores que se caracterizan por su capacidad de hacer converger el sentimiento clásico del siglo XIX con las posiciones abiertamente vanguardistas de sus contemporáneos.

Guardián del Paraíso

POSTIMPRESIONISMO

UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL

FACULTAD DE ARQUITECTURA, ARTES Y DISEÑO

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POSTIMPRESIONISMO

CHANCUSI, O., ERICK, S.

2015

POSTIMPRESIONISMO

El impresionismo, con su afán por captar la luz del natural, había ido disolviendo las formas en su ambiente y todos los elementos del cuadro habían ido perdiendo volumen, dibujo y sentido del espacio. En los últimos años del XIX y principios del XX nos encontramos con unos pintores que partiendo del impresionismo, derivan hacia una pintura personal que anuncian algunos de los movimientos pictóricos más importantes del siglo XX. El postimpresionismo supone entre otras cosas una recuperación de la importancia del dibujo y de la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas. Su trascendencia para la evolución del arte es, si cabe, mayor que la de los pintores impresionistas.

Algunas características generales, con inclusión del pintor que mejor las representa:

Ø  Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.

Ø  Conciliación entre efecto volumétrico (conculcado por el fulgor luminoso impresionista que casi había desmaterializado las formas) y el gusto puramente estético (Cézanne).

Ø  Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos (Cézanne).

Ø  Empleo de colores contrastantes para distendir y definir los planos y formas.

Ø  Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.

Ø  Utilización de colores puros con gran carga emotiva (Van Gogh) y modulados (Gauguin).

Ø  Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior (V. Gogh).

Ø  Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos fondos (Toulouse-Lautrec).

Ø  Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos (Gauguin). 

INFLUENCIAS

Ø  De los impresionistas, el gusto por los contrastes de colores en Cézanne.- De Rubens, de los neoimpresionistas y de la estampa japonesa, el rico cromatismo, los colores puros y la cursividad fluyente de las formas en V. Gogh

Ø  De las culturas exóticas de Oceanía, el primitivismo en Gauguin. 

Los pintores postimpresionistas

Paul Gauguin. Se inicia en el impresionismo con Pissarro; deja una vida confortable, familia, mujer e hijos y se instala pobremente en París y Bretaña y después se traslada a Tahití, donde pinta sus series de mujeres tahitianas. Destaca por el uso tan expresivo que hace del color con tonos fuertes, vivos y muchas veces arbitrarios que dispone en grandes planos delimitados por ritmos lineales curvos. Tiene dos temas preferentes: el mundo exótico de Tahití y el "primitivismo" de Bretaña. Su obra es preferente del simbolismo y su sentido del color influirá en los fauvistas y expresionistas. Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras e identifica la sensación de plano igual que en las pinturas japonesas.

Paul Cézanne. En su pintura se recupera el volumen gracias a la geometría, el dibujo y la definición de las formas mediante pinceladas que han sido llamadas constructivas; todo esto sin renunciar al color de gran intensidad mediante los contrastes y las sombras coloreadas. En sus cuadros se potencia el primer plano y realiza pequeñas distorsiones fruto de la utilización de más de un punto de vista (bodegones). Su pintura es el punto de arranque del cubismo y ha influido en coloristas como Matisse. Los jugadores de cartas, la montaña de Santa Vitoria.

Van Gogh. Se establece en Arlés entusiasmado por la luz de la Provenza pinta figuras y paisajes de formas serpenteantes y flamígeras que traducen su fuego interior. Es un apasionado del color como vehículo para expresar las frecuentes depresiones y angustias que padeció. Su pincelada es muy característica, sinuosa, cursiva y espesa; los colores son a veces agresivos con contrastes no frecuentes- amarillo sobre naranja-. Abre las puertas al expresionismo del XX. Autorretrato, Noche estrellada, La siembra,...

Toulouse-Lautrec. Nos refleja el ambiente de los salones nocturnos: bailarinas, cantantes y prostitutas son sus modelos. En su técnica el dibujo, la captación del movimiento y la carga irónica y caricaturesca es esencial. Fue el impulsor del cartel. En sus obras, destaca: Moulin Rouge.

LAS VENAS ABIERTAS DE AMÉRICA LATINA

UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL

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LAS VENAS ABIERTAS DE AMERICA LATINA

CHANCUSI, O., ERICK, S.

2015

RESUMEN DE LA OBRA LITERARIA

Este libro nos remonta a 1492 cuando Cristóbal Colón patrocinado por la corona española realizó un viaje de expedición en el que descubrió América. Desde ese punto al darse cuenta de la abundante riqueza que existía en nuestro continente, países como España, Portugal e Inglaterra se dedicaron a saquear y a explotar nuestros recursos. Llegaron y arrasaron con los indios reduciendo la mayoría de población indígena, ya que sorprendieron a nuestra gente con su tecnología ya mucho más avanzada que la nuestra, con armas y sobre todo con la pólvora de sus cañones.  Nos trajeron con ellos todas sus enfermedades que ayudaron a mermar la población aún más. Nos inculcaron a la fuerza su religión obligándonos a renunciar a nuestras propias creencias,  y nos enseñaron a hablar su lengua.

Un lugar que tuvo gran importancia fue Potosí en Bolivia, donde encontraron la mayor mina de plata se dice que en esa época todo era de este material desde las herraduras de los caballos hasta los altares de las iglesias; fue una ciudad que llegó a crecer tanto como Madrid, París y hasta Londres; donde obligaban a los indígenas a trabajar día y noche. “España tenía la vaca pero otros tomaban la leche”; los cargamentos de plata ni siquiera se quedaban con la corona española ya que estaba hipotecada y daba casi todos los cargamentos de plata a los banqueros de Alemania, genoveses, flamencos, etc.

Se trajo de contrabando a América grandes cantidades de esclavos negros para hacer alcanzar la mano de obra ya que se desarrolló el cultivo de la caña de azúcar, sobre todo en Brasil y en las islas del Caribe, se convirtió en una gran industria que fue explotada no sólo por la corona española sino también por holandeses, franceses e ingleses. En Brasil también se encontró caucho otro material que tuvo un gran auge alrededor del mundo. Gracias a esto Inglaterra se convirtió en una  potencia que idearía una gran idea que consistía en  remunerar al obrero para que pueda comprar también y así hacerse más ricos, se dice que crearon casinos y prostíbulos para que acudan ahí gasten y se endeuden con lo poco que tenían.

Mientras Europa disfrutaba de todas las riquezas  que  nos robaban nosotros sufríamos de pobreza, abusos y maltratos, mataron a nuestra gente, cambiaron nuestras costumbres, explotaron nuestros recursos nos tomaban como poca cosa, como gente bruta e incapaz,  se creían superiores pero éramos nosotros quienes financiaban sus comodidades quienes los alimentaban con nuestro sudor. Porque fuimos culpables de tener las más grandes riquezas y no pudimos defendernos.

OPINIÓN PERSONAL

La obra fue a mi parecer excelente, y no exagerada, puesto que todo lo que la obra explica es verdadero, y nos muestra la realidad, tal como es, demostrando que toda América Latina es manipulada, por varios países que hacen competencias entre los productos de África y Latinoamérica para así, que los productos se vendan al menor precio posible, y esto puede impedir el desarrollo de los países latinoamericanos, y nos afecta más, puesto que estos países que adquieren estos precios tan bajos, van creciendo más en su poderío y nos van dejando cada vez más atrás, tal así que nuestro desarrollo esta con menos alcances de mejorar, y en cambio, empeorar el desempleo.

Sin embargo, gracias a las riquezas naturales que habían en Latinoamérica es lo único que ha podido permitir que no se desborone por completo, esta puede ser una ventaja, pero hay una gran desventaja, y es la que no se puede salir de este gran hoyo, debido a los precios tan bajos que dan los demás países por la gran industrialización que hay en ellos; además, de sus adelantos tecnológicos, por lo tanto sus precios en relación con los de América Latina nos ponen en desventaja, debido a que no se puede competir con productos de buena calidad por no tener una industrialización fundamentada; ya que todo lo que se exporta son en su gran mayoría productos agrícolas y de artesanía.

A lo largo de esta lectura me puedo dar cuenta de lo viles que fueron los colonizadores al llegar aquí, en lugar de culturizarnos y traernos avances tecnológicos, lo que hicieron fue explotarnos y esclavizarnos de tal manera que nos subyugaron e hicieron con nosotros lo que se les dio la gana, sin tomar en cuenta, que si tal vez nos hubieran colonizado de la manera más apropiada de pronto hubieran podido aprovechar mejor todas las riquezas naturales y minerales que encontraron en estas tierras, y que tal vez por la ambición o tal vez por ignorancia no supieron aprovechar.

Las venas abiertas de América Latina es una obra que muestra la realidad histórica de nuestra América, y nos ofrece una visión clara del contexto político de América, pudiendo el lector establecer comparaciones entre diferentes tipos de sociedad, como podría ser la América latina contra los Estados Unidos, e incluso, estableciendo puntos de comparación entre diferentes estados y culturas en nuestra Latinoamérica.

Al leer estas líneas que más bien parecen un estudio histórico que una novela de ficción, vemos con pesar la enorme pérdida que hemos sufrido en el transcurso de nuestra civilización, se pueden observar diferentes personajes y actitudes que poco a poco nos han llevado de la mediana opulencia a una pobreza que está amenazando con convertirse en miseria, como ya sucedió en África.

El haber leído esta obra, me ha abierto los ojos, y por lo tanto pienso que como siguen las cosas, ningún país de Latinoamérica, podrá desarrollarse por completo, y en cambio, por si fuera poco, los demás países seguirán aprovechándose de nosotros.

FRANCISCO DE GOYA Y LUCIANTES

UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL

FACULTAD DE ARQUITECTURA, ARTES Y DISEÑO

CARRERA DE ARQUITECTURA

FRANCISCO DE GOYA Y LUCIANTES

CHANCUSI, O., ERICK, S.

2015

ANÁLISIS BIBLIOGRÁFICO

Francisco de Goya y Lucientes fue un pintor y grabador español muy famoso, estudió con J. Luzán y, a partir de 1763, con su futuro cuñado J. Bayeu.

Obra primeriza son los frescos del Pilar de Zaragoza. En 1766-92 realizó más de 45 cartones para tapices, (“El cacharrero”, “El pelele”, “La gallina ciega”...).

Pintor de cámara de Carlos IV en 1789.

En 1792, a consecuencia de una grave enfermedad, quedó sordo. En 1794 publicó una serie de aguafuertes, “Los caprichos”.

De esta época son también una serie de pequeños cuadros y una de sus obras principales, “El entierro de la sardina”. En mil 1798 decoró, al temple y al fresco, la ermita madrileña de San Antonio de la florida.

Gran retratista (“Duques de Osuna”, “de Alba”, “Jovellanos”, “Moratín”, “Condesa de Chinchón”, “Isabel Cobos”); en 1800 pintó el gran lienzo “La familia de Carlos IV”, una de las joyas del Museo del Prado. De hacia 1802 son los sensuales lienzos “Maja Vestida” y “Maja Desnuda”.

La Guerra de la Independencia le sugirió los aguafuertes de la serie “Desastres de la guerra” (1810-13) y los cuadros “El Dos de Mayo” y los “Fusilamientos del Tres de Mayo” (Prado). En 1815-16 grabó la serie “La tauromaquia”.

Amargado por el absolutísimo de Fernando VII, se retiró a su quinta del Sordo en las afueras de Madrid (1819), cuyos muros decoró con las llamadas “pinturas negras” pasadas después al lienzo (Prado). Grabó entonces la colección de “Los disparates”. En 1823 se exilió a Burdeos, donde en 1828 murió.

PERÍODOS

LOS CAPRICHOS DE GOYA

Los Caprichos de Goya ejemplifican un mundo en crisis, entendida esta idea en el sentido de cambio. Conceptualmente revelan las fisuras de una estructura sociopolítica basada en una anquilosada estratificación estamental, y de un sistema de valores fundamentado en el inmovilismo de las costumbres y la tiránica opresión religiosa de las conciencias.

Estéticamente anticipan la sensibilidad moderna y el desplazamiento hacia un arte dominado por la subjetividad y la libertad creativa.

Biográficamente, los Caprichos aparecen en una de las décadas más decisivas en la trayectoria vital y en la producción artística de Goya. Es por ello que las sucesivas generaciones de escritores, artistas e intelectuales de los dos últimos siglos no han podido sustraerse a su condición de símbolo: símbolo del fin del Antiguo Régimen, del cambio de gusto entre las estéticas clasicista y romántica, y de la crisis producida en la biografía y el arte de un creador universal.

PERÍODO DE MADUREZ DE GOYA

En 1799 pinta retratos, entre ellos de los monarcas, siendo frecuente que se trasladara a La Granja, El Escorial o Aranjuez en su compañía. De ese año serán los retratos ecuestres de Carlos IV y María Luisa, de impresionante vigor. En 1800 pinta uno de los mejores retratos femeninos de su carrera, el de la Duquesa de Chinchón, esposa de Godoy, favorito de los monarcas. Terminado este retrato emprende una de sus pinturas más ambiciosas: la plasmación de la efigie del rey con todos sus familiares y para ello ejecuta, previamente, una serie de bocetos de los personajes aislados que cuentan entre sus mejores creaciones en el género retratístico. Cuando se ha adueñado de la psicología de todos ellos, pinta la tremenda Familia de Carlos TV (1800), que ahora puede parecer una sátira, por la vulgaridad o reticencia manifiesta de los retratados. Pero la pintura supera la iconografía.

De este mismo período son cinco estupendas tablas de la Academia de San Fernando: Procesión de disciplinantes, Casa de locos, Corrida de toros, Tribunal de la Inquisición y Entierro de la sarama.

Vemos ante todo en los temas cómo se aclara la intención latente en Goya de satirizar, o poner en la picota, aspectos del carácter nacional, dando a la vez salida a los agitados instintos personales. Cuando se habla de un pintor anterior al siglo XIX no suele decirse que fue un "atormentado", pero hay sobrados indicios de que Goya lo fue, aunque su inmensa vitalidad, su sano sentido popular, contrarrestaban los dramas de su vida interior y su innata tendencia corrosiva. Deformaciones, trazos sueltos, borrones, reflejos, sugerencias mejor que estrictas representaciones aparecen en la técnica junto a las tradicionales veladuras y transparencias. Goya se da cuenta también del valor expresivo que posee el "inacabado'^ deja trozos enteros sólo insinuados en Los disciplinantes. Pero tal vez la escena de la Inquisición sea la más lograda del grupo, por la intensidad contenida del ambiente y el perfecto equilibrio de todos sus elementos.

TRINEO LIBERAL Y PINTURAS NEGRAS

Con el nombre de Pinturas negras se conoce la serie de catorce obras murales que pinta Goya entre 1819 y 1823 con la técnica de óleo al secco sobre la superficie de revoco de la pared de la Quinta del Sordo. Estos cuadros suponen, posiblemente, la obra cumbre de Goya, tanto por su modernidad como por la fuerza de su expresión. Una pintura como Perro semihundido se acerca incluso a la abstracción; muchas otras son precursoras del expresionismo pictórico y otras vanguardias del siglo XX.

Las pinturas murales fueron trasladadas a lienzo a partir de 1874 y actualmente se exponen en el Museo del Prado. La serie, a cuyos óleos Goya no puso título, fue catalogada por primera vez en 1828 por Antonio de Brugada, quien las tituló por vez primera, con motivo del inventario que realizó a la muerte del pintor. Han sido variadas las propuestas de título para estas pinturas.

Saturno devorando a sus hijos: Francisco de Goya, "Saturno devorando a sus hijos", 1819-1823, óleo sobre lienzo. Museo del Prado, Madrid. Emplea una gama de blancos y negros, aplicada en manchas de color gruesas, solo rota por el ocre de las carnaciones y la llama fúlgida en blanco y rojo de la carne viva del hijo. Representa al dios Crono, como es habitual indiferenciado de Chronos, o Saturno en la mitología romana, en el acto de devorar a uno de sus hijos. La figura era emblema alegórico  del paso del tiempo, pues Crono se comía los hijos recién nacidos de Rea, su mujer, por temor a ser destronado por uno de ellos.

Dos viejos comiendo sopa: Francisco de Goya, " Dos viejos comiendo sopa", 1819-1823, óleo sobre muro trasladado a lienzo. Museo del Prado, Madrid. En el cuadro aparecen dos ancianos personajes, sin estar claro si son hombres o mujeres. El de la izquierda, con pañuelo blanco, dibuja una mueca con su boca, posiblemente por la falta de dientes. El otro personaje contrasta vivamente con él: de rostro de cadáver, sus ojos son dos oquedades negras y su cabeza tiene en general el aspecto de una calavera.

BIBLIOGRAFIA

http://www.arteespana.com/franciscodegoya.htm